2021藝集講堂｜姚瑞中 : 當代藝術六講 — 從20世紀藝術流派進進入當代藝術的奧妙世界
學員們 午安
大家久等了，當代藝術六講 第五講 「雙年展與策展人」將於 8/11 19:30 -21:30 復課
只是還是有些防疫的規範調整，需要大家一起配合。
藝集講堂 B1空間， 若依照梅花座&1.5公尺間隔， 我們現場只能容納最多 25人，否則會有防疫上的疑慮。
因此課程 必須得採用 "現場授課 + 線上課程 同步進行
(進行的方式會是 現場 + 課程專屬社團內直播 +現場V8錄影 次日 上傳完整課程影片至社團中 )
報名成功後，將開放25名學員入席登記表單，未能登記到的朋友，就麻煩先以線上課程參與， 於次日上傳至社團的課程影片，在一定期限內 皆可無限回撥觀看課程內容。
【前言】
「當代藝術」到底如何定義？ 它是「現在發生的藝術」嗎? 要怎麼看懂美術館的作品? 藝術家看起來很炫，他們究竟在想什麼? 小便斗與一根貼在牆壁的香蕉，也可以當作藝術品!?
不知大家是否有種感覺，有時參觀美術館時，帶著好奇與期待參觀當代藝術展覽，再觀看的過程中卻帶著困惑與難解的心情，有時展覽展出的藝術家作品與我們身處同一個世代，我們卻對他們的語言與創作表現感到好陌生？ 其實，不知不覺藝術的表現在上個世紀已經發生非常大的變化，在藝術家眼裡他們的作品是最貼近這個世界的，但在大眾眼裡卻似乎離我們很遙遠，其實這些都有脈絡可依循，只要回到它們萌芽的出發點，便能夠逐漸認識這些「當代藝術」創作，它們在想的事情，以及伴隨在它們周邊的一切表現。
本課程希望由一種清晰的輪廓，從20世紀當代繪畫與藝術流派開始，慢慢進入在概念上「當代藝術」的範疇討論，舉凡現成物創作表現、攝影與後攝影、裝置藝術、行為觀念藝術、當代策展、藝術介入社會（參與式藝術）等六大主軸，帶領學員循序漸進的進入這個離我們最近的「藝術發生」，由一種銜接現代藝術與當代藝術的時間軸推進，讓大家化解當代藝術複雜的籓籬。
【講師】
國立台灣師範大學美術系兼任副教授 ， 藝術家 / 姚瑞中
1969年生於台灣台北，1994年國立台北藝術大學美術系畢業
曾代表台灣參加1997年威尼斯雙年展、2005年橫濱三年展、2009年亞太三年展、2012年上海雙年展、2013年北京攝影雙年展、「集群藝術獎」得主，2014年深圳國際雕塑雙年展、威尼斯建築雙年展、首爾國際媒體藝術雙年展、英國曼徹斯特亞洲藝術三年展、新加坡「亞太藝術獎公眾獎」得主，2015年亞洲雙年展、2016年雪梨雙年展，2018年「台新獎」得主並再次受邀於上海雙年展展出，
2019年巴西庫里提巴雙年展與俄羅斯克拉斯諾亞爾斯克雙年展，文馨獎得主，2020年台北雙年展。1992至1997年曾擔任「天打那實驗體」團長、1994年楊德昌電影「獨立時代」美術指導、1997年與同學創辦「非常廟」、2006至2009年「非常廟藝文空間」執行長等工作。
專長為攝影、裝置及繪畫，作品涉獵層面廣泛。著有《台灣裝置藝術1991-2001》(2002)、《台灣當代攝影新潮流Since 1999》(2003)、《台灣廢墟迷走》(2004)、《台灣行為藝術檔案1978~2004》(2005)、《流浪在前衛的國度》(2005)、《廢島》(2007)、《姚瑞中》(2008)、《人外人》(2008)、《幽暗微光》(2009)、《逛前衛》(2010，合著)、《恨纏綿》(2010)、《海市蜃樓》(2010，編著)、《甜蜜蜜》(2011)、《海市蜃樓Ⅱ》(2011，編著)、《萬歲山水》(2012)、《萬萬歲》(2013)、《海市蜃樓Ⅲ》(2013，編著)、《小幻影》(2013)、《海市蜃樓Ⅳ》(2014，編著)、《Mirage》(2016，編著) 、《海市蜃樓V》(2016，編著)、《好時光》(2016)、《腦殘遊記》(2016)、《巨神連線》(2017)、《攝影訪談輯一》(2018，主編之一)、《海市蜃樓Ⅵ》(2018，編著) 、《攝影訪談輯二》(2019，主編之一)、《海市蜃樓Ⅶ》(2019，編著)、「禽獸不如-台灣雙年展」(2020)、《犬儒共和國》(2021)…等書。
策展經歷包括：「末世漫遊」(1997，三芝非常廟)、「幻影天堂：台灣當代攝影新潮流」(2002，台北大趨勢畫廊)、「酷斃了」(2002，高雄新濱碼頭空間)、「非常不廟之漫畫一代」(2002，台南原型藝術)、「金剛不壞-台灣當代行為藝術錄像展」(2003，高雄豆皮藝文空間)、「出神入畫-華人攝影新視界」(2004，台北當代藝術館)、「台灣行為藝術檔案展」(2005，台北鈷嶺街小劇場)、「好自在：行為錄像接力展」(2005，台北MOMA)、「台北藝術博覽會：超時空連結-台灣當代藝術空間與藝術村網路」(2005，台北世貿二館)、「禽獸不如-台灣雙年展」(2020，國美館)…等。目前為國立臺灣師範大學美術系兼任副教授，幻影堂負責人。
＊＊原 海報 紙本ＤＭ「第二講」，「第六講」課程時間有更動，
請以本篇及實際報名日期為準。＊＊
【課程日期與內容】
2021 / 04 / 21 (三)
第一講 「物品如何成為藝術?」
當代藝術的難解，從大眾難以區分日常用品與藝術作品的差別開始，一個存在於「藝術物品」和「真實物品」間的曖昧空間，是藝術拉近與人的距離同時卻又創造出更大的詮釋空間，產生的弔詭與難題。
第一講，從20世紀催生的藝術流派立體派(Cubism) 超現實主義(Surrealism)、抽象繪畫運動-至上主義(suprematism)&抽象表現主義(abstract expressionism) 再切入1917年 杜象(Marcel Duchamp)將工業生產的”小便斗”拿來當作自己的作品，命名《噴泉Fountain》再展覽公開展示引起的喧然大波開始談起，改變了長久以來人們對所謂「藝術品」的觀念，並且取消了傳統美學所帶來的舒適性(審美的評鑑法則在此受到考驗)，也麻痺了「視網膜的愉悅」(我們已無法如傳統繪畫的形、色所的到的立即喜悅，而是一種冷漠的感覺)。
在今天，不但世界各地的美術館充斥著各式各樣的「現成物」(Ready-made)，而這些「現成物」在傳統繪畫及雕塑的精神之外，更另創一套美學觀。
2021 / 04 / 27 (二)
第二講 「從攝影到後攝影」
攝影是一種藝術嗎? 這個問題，在藝術的思考中，時常會落在「技術」、「獨一性(不可複製性)」、「藝術創造性」幾個點上的討論。
事實上，做為快速補捉影像的攝影術，自1839年達蓋爾(Mandé Daguerre, 1787~1851)正式發明「銀版攝影術」(Daguerreotype)後，經歷一百多年的發展，從早期攝影是否為藝術的論戰，到攝影逐漸成為藝術中不可或缺的表現形式，到現今攝影面臨數位影像的挑戰，價值觀的變遷與技術革新，不但帶來了美學形式上的創新，也為社會發展與人類變遷保留了珍貴記錄。「攝影」不只是技術與客觀物的轉換，它帶領著我們的視覺感官，探索著視網膜與腦神經深處的未知領域，為人類心靈開創出一片嶄新天地。
當代藝術除了「裝置藝術」(Installation Art)大行其道之外，也瀰漫著一股攝影媒介熱，不乏藝術家以攝影進行創作，無論就觀念、形式甚至操作手法上，與一般大眾認知的攝影不盡相同；近年來，攝影更進一步結合數位科技而形成一股影像新潮流。
在這個媒體席捲一切的時代，攝影已不再只是攝影，影像也不只是影像，而是將個人意識轉化為真實的一種方式，或者可以說是自我發現、自我實踐的可能途徑，雖然到頭來它註定是一個幻影，卻也是定義存在最直接的見證方式。
大家進入到美術館一定曾經看過一些作品，可能在地上撒上稻穀、放上鐵梯、破布、甚至還有一些動系機械裝置不斷的擺動，這些作品都屬於「裝置藝術」的表現方式，藝術家想要透過物件與物件之間的互動關係與擺置，討論由藝術創作衍生出來的想法。
自二次大戰後，許多藝術家將「現成物」(Ready-Made)的使用者指向許多方向，不論是五Ο年代的「集合藝術」(Assemblage)或「新達達」(Neo-DADA)，以及六Ο年代的「極限主義」或「普普藝術」，都是經驗了一系列由物品産生的形式和影像。
由於「裝置」(Installation)泛指一種手法而非風格，主要是針對一個實存空間或概念空間所進行的藝術創作行為或手段，各門各派或多或少都曾以「裝置」的方式進行創作， 事實上，裝置藝術只不過是眾多藝術表現形式中的一個範疇，並不是所有從事裝置藝術的藝術家觀念都是新的、或者作品就是好的，也不見得以其它媒材來創作的藝術家的作品就是落伍的、陳舊的，藝術不只是存在於手法與形式的新與舊之上，因為所有的前衛都將成為明日的傳統，而在於它所開創人類心靈之無限可能；而自由度較其它藝術形式為高的裝置藝術，就自然而然地成為一個重要的出口。
2021 / 05 / 12 (三)
第四講 「行為與觀念藝術」
無論是中、西藝術史的發展，身體一向都是藝術創作的主軸之一，西方許多行為與身體藝術作品，往往有著「反敘事」、「無調性」、「重覆性」、「過程性」、「隨機性」、「隱喻性」及「特定場域性」等特色，這類藝術經常使用的手法，則發展出一套有別於「表演藝術」 (Performing Arts)的概念，當然其它周邊演出型式、技術、體制與表演技巧也完全不同，如：破除鏡框式舞台及第四道牆、拒絕說故事或再現某個事件、排除過多的戲劇舞台及聲光效果…等，而慢慢發展出一套有別於表演藝術的美學觀。
但究竟什麼是行為藝術？行為藝術又要傳達什麼觀念呢？其實行為藝術與一般我們所知的表演藝術範疇不盡相同，除了開發身體之外，許多行為藝術家特別強調「過程性」，以及一種「去目的性」及「無敘事性」、「重覆性」的手法，藉此來擴張人類身體感知及行為潛能，進而達到某種藝術理想或精神超脫之可能，作品中包含的時間因素也佔有重要地位，而環境選擇更是關鍵因素之一，它們往往使得作品所欲表達的概念具有事半功倍之效應；而當代藝術中許多從事「觀念藝術」 (Conceptual Art)、「地景藝術」 (Land Art)與「身體藝術」 (Body Art)等領域的創作者，常常選擇攝影機或錄影機做爲記錄工具，並配合大量靜態文件或檔案將其觀念傳達出去，因此也發展出許多存在於文件檔案中或紀錄影片內的行為與身體藝術，它並不單指發生在公眾場合或表演空間內的藝術行為，泛指所有使用身體或者配合某些物件，所進行的某種具有過程性藝術行為。
2021 / 0８ / １１ (三)
第五講 「雙年展與策展人」
自一八九五年義大利威尼斯舉辦了全球首次雙年展以來，歷經百餘年發展，各階段都有不同面貌，雙年展從原本以世界博覽會為原型試圖展示國力的狀態，到了第二次世界大戰後，區域整合性的色彩逐漸變得濃厚，例如拉丁美洲的「聖保羅雙年展」、歐洲的「卡塞爾文件展」、北美洲的「惠特尼雙年展」或大洋洲的「雪梨雙年展」，都是冷戰時代下自由國度的文化產物。
到了一九八○年代後期，世界局勢產生重大改變，共產主義瓦解、冷戰正式結束、威權體制崩盤、資本主義大獲全勝，繼之而起的是區域整合與國際交流；因此，以城市為中心的中、小型雙年展大量興起，較具代表性的如「歐洲宣言」、土耳其的「伊斯坦堡雙年展」、塞內加爾的「達卡非洲當代藝術雙年展」、法國「里昂雙年展」、阿拉伯「沙加雙年展」、羅馬尼亞「現代藝術雙年展」、德國「柏林當代藝術雙年展」、英國「利物浦雙年展」、瑞典「哥德堡雙年展」等紛紛成立，擁有深厚文化根基的歐洲成為雙年展最主要的溫床。
自一九九五年以降，亞洲也刮起一陣雙年展風潮，光是二○○八年亞洲就舉辦了十個以上的雙／三年展，包括韓國的「光州雙年展」、「斧山雙年展」、首爾「媒體城市雙年展」、中國的「上海雙年展」、「廣州三年展」、「南京三年展」、「北京雙年展」、台灣的「台北雙年展」、日本「橫濱三年展」、「新加坡雙年展」等。
漸形成一個以雙年展為全球文化交流平台的新形態場域。在全球化席捲一切的當下，雙年展已成為「全球在地化」（Globalization）的產物，紐約時報甚至為全球性的雙年展現象另創新字「Biennialistic」，可見雙年展日漸龐大的影響力，而托雙年展現象之福，藝術家有更多創作的可能性，民眾也能與異質文化展開更廣泛的交流。
2021 / 0８ / １８ (三)
第六講 「藝術介入社會與參與式藝術實踐」
近年來，台灣出現一種由上至下的文化運動，也就是由官方部門制定政策與重商巨獸聯手，結合創作、生產與商業包裝手法，創造出所謂的「文化創意產業」，藉由文化藝術給予人們某種亮麗、安全的幸福生活想像與許諾，以鼓勵消費、促進產值為目標，視創意為唯一出路。在這些被畫定的前提下，「文化創意產業」的興起如同築起一座透明溫室，使生活於其中的消費者忘卻真實世界之殘酷，藝術於是被某種預設的產值標準化、溫馴化及標本化。不免令人擔心。
目前由藝術所建立的烏托邦世界，正逐漸從積極的反社會性格轉移到現實世界的建構上，而變成入世的偽烏托邦，且對文化、藝術這些引導人類精神生活的神話不再抱有高度期望；如今的藝術品，接受藝術體系所建立的穩定性作用而成為一種消費語言，滿足於自我囈語、自我嘲弄及自戀性格之中，以某種可瞭解並可閱讀的、非製造不安或給任何人負面感的行為方式、材料和語言，以確認和鞏固這個「全球化的消費性藝術體系」。
當代藝術是無法被學院體制教導出來的，卻能經由層層體制鉗制而衝撞出創造性火花，令當權者、資本家與中產階級又愛又恨，卻又令佃農、藍領勞工與無產階級丈二金剛摸不著頭緒，它是小資產階級與知識份子的樂園，更是「烏托邦主義者」的天堂。這或許才是前衛藝術所要批判的部份，即藝術臣服於政治權謀、意識型態以及社會的偽善，或是反對在市場機制炒作下自動繳械，成為謀取名聲與暴利的捷徑，使得藝術喪失了原本的天真性與洞見之智慧。
希望透過這堂課讓我們認清當代藝術產業背後複雜的權力運作關係，認清藝術世界運轉的模式、建立作品意義的條件以及解讀言說的有效方式。
【課程時間】
日期：4 / 21、4 / 27 、5 / 5 、 5 / 12 、8 /11 、 8 / 18
【收費方式】
方案一 : 全系列六講九折優惠 2160元
方案二 : 單堂 400元
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繳費、退費方式請見表單末【課程費用與繳費方式說明】與【關於退費】。
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